Скульптура эпохи Возрождения

Скульптура эпохи Возрождения

Рассматривая искусство скульптуры эпохи Возрождения, важно помнить, что мастера этого периода имели визуально осязаемые образцы классической греческой скульптуры — именно те произведения, которыми они восхищались.

Художники не имели аналогичных примеров античной живописи, на которые можно было бы ссылаться. Например такой известный мастер как Джотто, должен был найти свои собственные «основы», у первого известного скульптора эпохи до Возрождения Никола Пизано (около 1206–78 гг.) уже был фундамент, на котором он мог творить.

 

Италия эпохи Возрождения (1400-1530 гг.)

 

В 15 в. Италия преимущественно состояла из множества региональных образований, в том числе герцогств Милана и Савойи, а также республик Венеции, Генуи, Флоренции и Сиены. Кроме того, Государства Церкви владели значительной частью Центральной Италии, а вся Южная Италия, включая Сицилию, принадлежала Неаполитанскому королевству. Этими общинами правили как монархи семьи и отдельные лица, многие из которых стали важными покровителями искусства эпохи Возрождения, включая искусство скульптуры и живописи.

Наиболее важные правящие семьи включали Сфорца и Висконти в Милане, Гонзаги в Мантуе, Монтефельтро в Урбино, Эсте в Ферраре и Модене, Малатеста в Римини, Бентивольо в Болонье и могущественную семью Медичи во Флоренции. В Ватикане в Риме среди понтификов, интересовавшихся изобразительным искусством, были Папа Сикст IV (1471-84), Папа Юлий II (1503-13), Папа Лев X (1513-21) и Папа Павел III (1534-49).

 

Общие характеристики скульптуры Ренессанса

 

Практически с самого начала скульптура, и живопись характеризовались индивидуализмом, поскольку прогресс все меньше и меньше отражался в школах и больше в творчестве отдельных художников. Не менее важной чертой искусства эпохи Возрождения был его натурализм. В скульптуре это проявилось в увеличении количества современных предметов, наряду с более естественным обращением с пропорциями, драпировкой, анатомией и перспективой.

Третьей особенностью было возрождение классических предметов и форм. С момента падения Рима в V веке Италия никогда полностью не забывала скульптуру Древней Греции. Так же нельзя было игнорировать видимую массу римских руин.

Возрождение классицизма в скульптуре началось примерно во времена Никола Пизано (около 1206–1278) и, хотя и остановилось в 14 веке, продолжалось на протяжении всего 15 века. Да, готические традиции сохранились до значительной части кватроченто (Раннего Возрождения), но обычно предполагали что-то от классической манеры. Классицизм полностью захватил власть только в период Высокого Возрождения (1490-1530). Следует подчеркнуть еще один последний момент. Искусство итальянского Возрождения было, прежде всего, религиозным. Возможно, меньше, чем в романский или готический периоды — в конце концов, Европа становилась все богаче, — но христианство оставалось доминирующей силой в жизни (и искусстве) как князей, так и нищих.

 

Виды скульптуры религиозная и светская

 

Спрос на скульптуру во времена 15-16 вв. оставался в основном церковным. Снаружи церкви украшались каменными изваяниями, причем не только вокруг дверных проемов, но иногда и весь фасад украшался рельефной скульптурой и статуями-колоннами. Между тем церковные интерьеры были заполнены мраморной скульптурой (кафедры, купели для крещения, скиния, важные гробницы, группы статуй) и резьбой по дереву (в частности, для хоров, статуэток, а также расписных алтарей в стиле поздней готики). Баптистерий собора и двери ризницы часто состояли полностью из бронзовой скульптуры, обычно барельефы.

Во внутренних стенах церквей эпохи Возрождения также располагались большие архитектурные гробницы, увековечивающие память светских правителей, генералов, государственных деятелей и философов, а также обычных кардиналов и епископов.

Скульптуры украшали дворцы и частные дома. Наиболее часто украшались дверные проемы, сады, приемные и внутренние элементы. Скульптурные произведения интерьера включали фризы, резные потолки, камины, статуэтки и бюсты, а внешние работы распространялись на горгулий, фонтаны, святыни, статуи, включая Мадонн и святых.

 

Темы

 

Темы, используемые в скульптуре, были очень похожи на те, что использовались в живописи раннего Возрождения. Сюжеты для церковных сочинений почти всегда взяты из Ветхого и Нового Завета Библии. Если Мадонна с младенцем — самый популярный сюжет, то среди других распространенных сюжетов были сцены из жизни Христа или Девы Марии, а также эпизоды из Книги Бытия.

Иногда в религиозную скульптуру вводились декоративные мотивы классического происхождения, но гораздо реже мифологические сюжеты, за исключением купидонов и путти. Однако во время живописи Высокого Возрождения предметы расширились, и это коснулось и скульптуры. Темы не церковной скульптуры могут включать сцены из классической мифологии, портреты или мотивы, связанные с соответствующим покровителем, а также библейские сюжеты.

 

Материалы и методы

 

Драгоценные металлы, такие как золото и серебро, меньше использовались в скульптуре, чем в предшествующий готический период. И хотя мастерские ювелиров продолжала обучать некоторых из лучших скульпторов и художников эпохи Возрождения, постепенно обучение становилось все более специализированным, поскольку различные дисциплины становились все более независимыми друг от друга, а влияние ювелира ограничивалось ремеслом работы по металлу.

Однако бронзе отводилась более важная роль, она использовалась сначала для рельефов, а затем для статуй и бюстов. Это было особенно популярно среди скульпторов эпохи Возрождения, как из-за его пластичности и долговечности, так и из-за его блеска при золочении. Неудивительно, что для проявления таких преимуществ потребовалось время, поскольку раннее литье из бронзы было грубым, а готовые изделия не были полностью отполированы. Но ко времени Высокого Возрождения эти трудности были преодолены и достигнута высокая степень технического совершенства.

В каменной скульптуре растущая изысканность и спрос на детали привели к значительному увеличению использования мрамора, а также других более тонких типов, таких как истрийский камень и песчаник Пьетра Серена. Белый каррарский мрамор, любимец Микеланджело, широко использовался в монументальной скульптуре, его цвет иногда смягчался воском. Детали статуй, включая волосы, украшения, а иногда и кожу, часто позолочены или раскрашены.

Терракота вошла в моду как дешевая альтернатива мрамору и, будучи покрытой глазурью, была столь же прочной. Ее также можно покрасить перед глазурованием для постоянного полихроматического эффекта. Она использовалась по всей Италии в 15 веке для алтарей, кафедр, купелей и других церковных принадлежностей, а также для многочисленных домашних применений. Еще более дешевым материалом, чем терракота, была прекрасная штукатурка из мраморной крошки и песка. И терракота, и лепнина стимулировали копирование древних шедевров самых выдающихся скульпторов античности.

Дерево было еще одним недорогим скульптурным материалом, но традиция резьбы по дереву в основном ограничивалась густыми лесными массивами, в частности, Австрийским Тиролем и Южной Германией, где ее виртуозно практиковали такие мастера, как Михаэль Пахер (1435-98), Тильман Рименшнайдер (1460-1531), Файт Штосс (1447-1533) и Грегор Эрхарт (1460-1540).

Независимо от того, работали ли они с камнем, бронзой или деревом, скульптурные техники, используемые скульпторами эпохи Возрождения, в целом были такими же, как и у греческих или римских мастеров. Использовались те же типы инструментов и использовались многие из тех же техник. Но дух Возрождения был гораздо более живописным. Например, письменный дизайн считался важным.

Кроме того, большое внимание было уделено перспективе, использованию множественных плоскостей и градаций рельефа. Более того, предварительные карикатуры, этюды и мелкомасштабные модели предполагаемой скульптуры из глины, дерева или воска могли быть выполнены мастером-скульптором достаточно далеко, чтобы их мог завершить из бронзы или мрамора ученик или другой мастер.