От Высокого к Позднему Ренессансу
Кранах и Гольбейн 1505-1553 гг.
Почти точным современником Дюрера является Лукас Кранах, но его карьера идет совсем по другому пути. В то время как Дюрер держит свою собственную независимую студию, Кранах служит почти полвека, с 1505 года, придворным живописцем курфюрстам Саксонии в Виттенберге. В результате он создает бесконечные портреты достойных представителей Саксонии, что приводит к заметному ухудшению раннего стиля его юности.
Исторически ему повезло, что с 1517 года Виттенберг находится в центре религиозных потрясений Германии. Кранах оказывается, по должности, художник-портретист эпохи Реформации. Именно из его кисти мы узнаем черты Лютера, Меланхтона и других реформаторов.
Кранах и его студия также предоставляют множество других картин, которые очень нравятся дворянам Саксонии. Это картины невероятно вытянутых обнаженных натур, в провокационных позах и часто одетых только в большую шляпу или ожерелье. Они происходят от Венер, нарисованных в Италии в это время, но превращают их в нечто гораздо более близкое к порнографии высокого класса.
На поколение моложе Кранаха и в целом более серьезный художник — Ганс Гольбейн. Если первый — портретист немецкой Реформации, то Гольбейн выполняет ту же роль для вождей Северного Возрождения.
В 1520 году Гольбейн основывает студию в Базеле. В следующем году Эразм Роттердамский приезжает жить в город. Гольбейн дважды рисует великого ученого в 1523 году и получает рекомендательные письма к коллегам-гуманистам в Нидерландах и Англии.
В результате зимой 1526 года Гольбейн оказывается в доме Томаса Мора в Челси. Он рисует здесь самый ранний в истории искусства домашний семейный портрет, (изображение сохранилось только в копиях и в оригинальном рисунке Гольбейна).
В первый раз Гольбейн пробыл в Англии всего два года, но за время своего визита он написал множество портретов, в том числе большую серию цветных рисунков, которые сейчас находятся в Виндзорском замке. В 1528 году он возвращается в Базель, но к 1532 году едет обратно в Англию. Во время второго визита, длившегося до его смерти в 1543 году, он часто служит у Генриха VIII.
Наиболее знакомый образ самодовольного тирана — это портрет Гольбейна. Будущий Эдуард VI еще ребенком, так же знаком, по кисти Гольбейна. Как и три королевы Генриха (Джейн Сеймур, Анна Клевская, Кэтрин Говард). Высокопоставленные чиновники, такие как Томас Мор.
Босх и Брейгель 1480-1569 гг.
Иероним Босх получает свое имя от города Хертогенбос, где он родился примерно в 1450 году и проводит всю свою трудовую жизнь. О нем известно сравнительно мало, но бурлящая фантазия его воображения, живо воплощенная в красках, делая одним из самых самобытных художников.
Как в тематике (мучения и восторги, связанные с адом и раем), так и в стиле (стройные фигуры и четкие цвета, характерные для международной готики) искусство Босха обращается к позднесредневековым моделям.
Самые сложные работы Босха изобилуют яркими и фантастическими виньетками, маленькими самодостаточными сценами восторга или ужаса, которые могут заставить зрителя счастливо смотреть часами, как будто блуждая по какой-то сюрреалистической игровой площадке (многое в его работе предвосхищает сюрреализм).
Две самые большие и характерные картины — это триптихи «Воз сена» и «Сад земных наслаждений». Сейчас в Прадо они находятся среди двенадцати картин Босха, приобретенных Филиппом II для Эскориала. Все они происходят из коллекций испанцев, отправленных в Нидерланды. Одна группа из шести, включая «Воз сена», куплена дипломатом еще при жизни Босха, предположительно у самого художника.
Естественным преемником Босха в нидерландском искусстве и ярким представителем художников позднего Возрождения является Питер Брейгель, родившийся примерно в 1525 году. Его работы тоже в основном собраны в Габсбургской коллекции, на этот раз в Вене. В Музее истории искусств, хранится четырнадцать его картин, в основном собранных австрийским эрцгерцогом Эрнстом, регентом Испанских Нидерландов в 1590-х годах.
Брейгель часто изображает детали столь же фантастические, как у Босха (как, например, в «Триумфе смерти» в Прадо), но он обычно предпочитает находить более реалистичный контекст. Таким образом, странные сцены в битве между карнавалом и Великим постом (теперь в Вене) представлены как часть деревенского фестиваля.
Пейзажи Брейгеля, заполненные людьми, занятыми своими повседневными делами, являются, пожалуй, самым характерным его достижением. Он добавляет стимулирующий дополнительный ингредиент, когда представляет Новый Завет или мифологические события именно в таком повседневном приземленном нидерландском контексте.
Расправа над невинными происходит с леденящей душу убежденностью в снежной северной деревне. Иисус почти незаметно пробирается через переполненную летнюю сцену на Голгофу. При падении Икара над волнами показывается только нога упавшего авиатора, незамеченная пахарем на переднем плане. Вавилонская башня так же оживлена и увлекательна, как и любая другая большая строительная площадка. Брейгель — первый великий поэт повседневной жизни.
Маньеризм 16 век
В то время как венецианцы в 16 веке развивают крепкие темы Высокого Возрождения, художники Флоренции и Рима реагируют на достижения Леонардо да Винчи и Рафаэля. Идеализированное совершенство, достигнутое этими художниками, вряд ли может быть улучшено. Следующее поколение посвящает себя другому виду блеска, стремясь к застенчивой стилистике, которая стала известна как манерность.
Слово, используемое историками искусства по-разному, происходит от maniera, что означает стильность. Оно применяется Вазари, почти современным биографом великих художников эпохи Возрождения, чтобы описать качество, проявленное такими художниками, как Леонардо, Микеланджело и Рафаэль.
Но маньеризм обычно используется сейчас для обозначения стиля большой аффектации (но соответствующего блеска), который соединяет разрыв между Ренессансом и барокко в центральной Италии.
Первые проблески этого стиля появляются в работах Понтормо и Россо Фиорентино, родившихся в Тоскане в 1494 году. Ранний шедевр в новом стиле – это «Снятие с креста» Понтормо (конец 1520-х годов) в капелле Каппони во Флоренции. Композиция представляет собой неловкое нагромождение фигур, которое чудесным образом достигает гармонии. Цвета представляют собой смесь невероятного бледно-голубого и пурпурного, одновременно поразительного и приятного. Тон Микеланджело, в потолке Сикстинской капеллы, сделан во всех отношениях более манерным.
К этому времени молодой художник из Пармы, известный со своей Родины как Пармиджанино, разрабатывает версию стиля, в которой много используется тонкое и элегантное удлинение. Одна из его самых известных работ, Мадонна с длинной шеей в Уффици.
Другой мастер маньеризма — Бронзино, приемный сын Понтормо. Его особая форма манерной элегантности — ледяная прохлада, даже в изображении обнаженной плоти — как в знаменитой аллегории с Венерой и Купидоном в лондонской Национальной галерее, где провокационные позы фигур сочетаются с ошеломляющей двусмысленностью для достижения квинтэссенции иконы маньеризма.
Позже, в 16 веке, стиль распространился по всей Европе, во Францию в школе Фонтенбло, в Нидерланды, ко двору императора Рудольфа II в Праге. И самый индивидуальный из всех художников 16-го века, Эль Греко, работающий в изоляции в Испании, по существу маньерист в эксцентричности своего стиля.
Но изысканное и необычное, в конце концов, надоедает. Религиозная живопись возвращается к реальности с великолепно спорным толчком, в Риме в начале 17-го века, Караваджо.
Эль Греко 1570-1614 гг.
Когда Доменикос Теотокопулос родился на Крите в 1541 году, остров был Венецианским владением. Поэтому вполне естественно, что мальчика отправят в Венецию, когда он проявит талант художника. Есть сведения, что он некоторое время учился у Тициана, прежде чем отправиться в Рим с рекомендательными письмами в 1570 году. В Риме он становится известен как Il Greco (грек). Когда он переезжает в 1577 году в Испанию, его имя становится Эль Греко.
Прибыв в Испанию с венецианским инстинктом цвета и с маньеристскими тенденциями, подобранными во время его пребывания в Риме, Эль Греко начинает развивать свой собственный чрезвычайно личный стиль без дальнейшего влияния других художников. В течение почти сорока лет Толедо является его домом.
Испания — пламенный центр католической Реформации, и Эль Греко реагирует на господствующие настроения с мистической интенсивностью. Насыщенные цвета, извилистые изгибы и обморочные композиции его религиозных сцен почти требуют, чтобы зритель присоединился к настроению духовного экстаза. Толедо, похоже, принимает вызов — ведь у Эль Греко много клиентов на картины, которые с чисто художественной точки зрения могут показаться сложными.
Испания в 17 веке будет иметь мощную традицию религиозного искусства, с такими художниками, как Рибера, Зурбаран и Мурильо. Но никто не сравнится с яркой эксцентричностью Эль Греко.
