Черты неоклассицизма в живописи 18-19 век
Начиная с эпохи Возрождения, последовательные поколения художников и архитекторов обращались за вдохновением к классическим моделям. Даже в разгар барокко (наименее классического из стилей по настроению или линии) современные вельможи часто изображаются в тогах. Военные герои, как бы глупо они ни выглядели, гордо расхаживают в жестком рубчатом килте римского легионера.
В XVIII веке поиски классической аутентичности предпринимаются с новой академической энергией. Есть несколько причин. В то время ведутся раскопки таких археологических объектов, как Помпеи. И интерес смещается с Римской части классического наследия на греческую.
Древнегреческие памятники в Южной Италии (в частности Пестум) и на Сицилии начинают изучаться в 1740-х гг. в 1755 году немецкий археолог Иоганн Иоахим Винкельман, ключевая фигура греческого возрождения, публикует работу по греческой живописи и скульптуре, в которой он утверждает, что искусство Греции является лучшим примером идеальной красоты.
Авангард с энтузиазмом встречает эту идею. В течение следующего столетия греческие темы все больше проникают в декоративное искусство. Греческие портики и колоннады украшают общественные здания. Греческая изысканность становится идеалом для неоклассических скульпторов и художников.
Влияние греческого возрождения на художников включает в себя новый акцент на важности линии, вытекающий из фигур на греческих вазах и в фризах с низким рельефом. Это также приводит к значительному увеличению числа предметов, отобранных из греческой мифологии и литературы.
Многие из этих неоклассических художников относятся к своим древним темам с легкой сентиментальностью, более соответствующей их собственному времени, чем Греции или Риму. Это относится и к французскому художнику, основоположнику стиля 1750-х годов, Жозефу-Мари Вьену. Обвинение может быть также выдвинуто против самого энергичного художника, работающего в Великобритании, Бенджамина Уэста. Но совершенно новую строгость в черты неоклассицизма в живописи вводит лучший ученик Вьена, Жак-Луи Давид.
Британские акварели 18-19 век
В 1771 году художник-топограф Пол Сэндби отправляется с богатым покровителем в путешествие по Уэльсу. Работа Сэндби состоит в том, чтобы рисовать великолепные пейзажи, которые сейчас входят в моду с началом романтического движения. Этот новый интерес будет популяризирован десятилетием позже преподобным Уильямом Гилпином, неутомимым паломником в погоне за живописью, который публикует отчеты о своих собственных набросках, начиная с наблюдений на реке Уай, относящихся главным образом к живописной красоте (1782).
Акварель — естественная среда для этюдов такого рода. Таким образом, страсть к живописному лежит в основе развития самой ярко выраженной британской традиции в истории искусства — пейзажной акварели.
Использование акварели в качестве случайного средства для быстрого эскиза восходит еще к Дюреру, и многие художники в XVII веке используют монохромные рисунки в качестве этюдов для картин. Разница в Британии XVIII века заключается в том, что появляются специалисты, которые пишут акварели для своих покровителей (а затем и для более широкого рынка) и во многих случаях ограничивают свою работу одним этим средством.
Это развитие совпадает с удачным новым открытием в печатном деле, акватинтой, которая впервые может обеспечить в печатной форме нечто очень близкое к тонам рисунка стирки. И снова Пол Сэндби первопроходец. Его поездки в Уэльс привели к публикации в 1776-1777 годах тридцати шести снимков в Акватинте, сделанных на месте в Уэльсе.
Вскоре британские художники-акварелисты путешествуют за границу, чтобы вернуть виды из таких регионов, как Альпы, где пейзажи еще более живописны, чем в Уэльсе. Как это ни парадоксально, но классические руины в Италии теперь тоже считаются романтическими.
С самого начала среди этих художников появляются очень индивидуальные стили. Многие пытаются добиться аккуратной топографической точности, особенно в таких предметах, как руины. Другие идут на гораздо более смелые эффекты. Джон Роберт Коузенс, гастролировавший в Швейцарии и Италии в 1776 году, возвращает нам удивительно туманные и вызывающие воспоминания образы. Фрэнсис Таун, живший в тех же краях в 1781 году, превращает ландшафт в простые блоки, настолько смелые, что эффект получается почти абстрактным.
Среди других ведущих акварелистов, разрабатывающих свое собственное видение британского пейзажа, можно назвать Томаса Гёртина, Джона Селла Котмана, Дэвида Кокса и Питера де Уинта. Видение переходит в визионерство в богато интимных видах, нарисованных Сэмюэлем Палмером в Шорхеме в Кенте (под влиянием Уильяма Блейка, Мастера акварели в своих собственных визионерских сценах).
Одна фигура, прежде всего, олицетворяет развитие акварели в Англии. Уильям Тернер в свои двадцать лет блестяще рисует в детальном топографическом стиле. Позже в своей жизни он создает яркие мерцающие полотна, столь же смелые, как и его большие полотна того же периода. Джон Констебл говорит, что они, кажется, окрашены «тонированным паром, таким мимолетным и таким воздушным».
